von Afrizal Malna
Kunst Ausstellung: 25 Marc-10 Mai 2010
Artists: Affandi, Mella Jaarsma, Titarubi, Nyoman Erawan, Jompet Kuswidananto, S. Teddy D.

Kurator: Afrizal malna

Ausstellungen bildender Kunst heute immer häufiger auf und sind thematisch geordnet, so dass für die Ausstellungen, die eine Art von Aussage zu machen, und dies gilt sowohl für Einzel-und Gruppenausstellungen. Es ist jedoch häufig der Fall, dass es wenig signifikante Beziehung zwischen den Themen und funktioniert dargestellt ist. Dies ist nur eine milde Art Prolog zur Ausstellung Oasis To Be. Warum Oasis zu sein? Es gibt drei Stränge Ich mag hier zusammen zu bringen, um eine Erzählung der Ausstellung bauen würde:

1. Interwoven To Be

Diese Ausstellung ist nicht allzu weit von seiner Meinungsbildung über die globale Erwärmung und Menschenrechtsverletzungen zur Zeit Färbung zeitgenössischen internationalen Angelegenheiten. Diese Themen sind Teil eines Kunst-Agenda Eintreten für die Geburt einer neuen Art von Menschenrechten, in dem es Achtung und Ehrfurcht vor allen Formen des Lebens und Co-existencence. Dies spiegelt eine kosmologische Norm, nach denen auch nur der geringste Schaden zufügen, dass wir einen signifikanten Einfluss auf das gesamte Netz des Lebens.

Das gesamte Netzwerk des Lebens ist wie ein Stoff des Seins (sein), und jeder Künstler, der den kreativen Bereich zwischen dem Selbst und der Außenwelt, die Grenzen der Kunst ohne Kunst, zwischen dem Körper und äußere Medien lesen weiter, und zwischen Kunstwerken und den kritischen Diskurs, der um sie herum entwickelt, wird angenommen, dass ein tiefes Verständnis für die Prozesse des Seins haben.

Aber der Begriff, hier zu sein, als vor dem Hintergrund der globalen Erwärmung und das Abschmelzen der ideologischen Spannungen eines nach dem Kalten Krieg Welt gesehen, nicht mehr automatisch einen Einsatz existentialistischen Diskurs. Bildende Kunst wird nicht mehr als eine Geschichte der Art zu lesen, eher als eine Geschichte der Ideen, Themen und Techniken. Und Technik ist nicht als die Art, wie der Künstler unterhält Stil in seinen Bildern, sondern die Art, wie er benutzt Technik, um die Ideen in den Arbeiten unterstützen zu lesen. Daher wird dies Gewebe sein als eine Art von Post-Identität zu lesen.

2. Oasis To Be

Bali bietet einen sozio-historischen Kontext, die interessant im Hinblick auf die verschiedenen Prozesse in der Region gefunden, vor allem kultureller Prozesse ist. Die Vorder-und Rückseite aller Prozesse von qualitativen und quantitativen Kultur auf Bali zusammen. Tradition und alle Dinge zeitgenössischen kann hier und jetzt zu sehen. Der Strom der Globalisierung ist die konkrete Realität vor denen wir stehen in diesem Bereich: Fremdsprache, Devisen, alle im Umlauf zusammen mit verschiedenen nationalen Einheiten. Differenz wird im gegenseitigen Existenz und die gemeinsame Wirklichkeit zu sehen.

Im Rahmen der Bali selbst, wird der Prozess lesbar als Zyklus von der Geburt bis neue Geburt (Wiedergeburt, Erleuchtung), und eine Reinigung des Karmas auf dem Weg zur Perfektion. Der Prozess des Werdens in diesem Kreislauf der Wiedergeburt an sich nicht die Prämisse der Veränderung durch Revolution zu übernehmen. Jede radikale Änderung neigt dazu, den Zyklus zu widersetzen. Auf der anderen Seite können wir diesen Zyklus als Sicherheitsnetz für die globale Liberalisierung sickert in Bali zu lesen.

In diesem Sinne Bali bietet eine einzigartige Kontext für bildende Kunst, das sich von anderen Regionen in Indonesien in so vielerlei Hinsicht. Die Balinses Kontext ist "eine Oase zu sein". In dieser Ausstellung ist die Idee der Oase als ein zentrales Thema angenommen wurde, zu Oasis To Be.

3. Affandi-Sharing

Diese Ausstellung gehört auch die Arbeit der Affandi. Affandi Präsenz in dieser Ausstellung ist Teil der Bemühungen um die Wirkung der Lektüre der Oasis To Be kommunizieren. Affandi ist ein wichtiger Meilenstein in der Geschichte der indonesischen zeitgenössischer bildender Kunst - die härtesten Künstler in Bezug auf seine Werden, inmitten Weltkrieges und des Unabhängigkeitskrieges.

Im Zusammenhang mit der Reise der Kunst, ist Affandi eine wichtige Figur zu "lesen". Erstens verwendet Affandi seinen eigenen Körper als Objekt, immer von zentraler Bedeutung für die verschiedenen Überraschungen und visuellen Strategien verabschiedet er beim Malen. Affandi fast nie im Studio gemalt: den Körper, der Natur, das Verhalten der Menschen zur Zeit der Malerei, Objektkunst und Leinwand, die alle gleichzeitig in Raum und Zeit gemeinsam auftreten und enden in dieser Zeit und in diesem Raum. Malerei war für ihn ein kreatives Moment mit ununterbrochener Dauer und war unersetzlich. Seine Hände berührten und sofort gespürt, wenn das Gefühl der Oberflächenstruktur der Leinwand, wie er gemalt.

Dies resultierte in der Expressionismus von Eric Newton beschrieben: "Affandi malte nicht die Wirklichkeit, sondern malte er das Gefühl, dass er von der Realität, die er erlebt habe." (Bambang Bujono, 2007). Expressionismus führte Affandi zu einer Aufwertung der wichtigsten internationalen bildenden Kunst in Indien, Europa, Japan und die Vereinigten Staaten. Denn er gilt als brachte eine neue Expressionismus zum Kanon der westlichen Expressionismus, die alltäglich zu der Zeit (Herbert Read, 1959) war.

Zweitens, wie seine Kunst entwickelte, trat Affandi eine weitere Phase, die bis zum Ende seines Lebens blieb. Kritiker Soewarjono formuliert diese Bühne: "Affandi sprang von der klassischen figurativen expressionistischen Sprache, auf die visuelle Sprache der abstrakten Expressionisten-" (1970). Diese Frist setzte als Affandi mit Erstaunen die technologischen Entwicklungen an der Osaka'70 Expo in Japan erlebt. Die Anatomie der Zeile zuvor in Affandi der Arbeit gesehen - Schlangenlinien, Puppentheater-like, tropisch, die sich aus einer Küstenkultur, die zugrunde liegenden Vergangenheit hat, wurde plötzlich in kubistischen Formen und Geradlinigkeit aus der Welt der Technik verwandelt. Soewarjono beschreibt im Detail die abstrakt-expressionistischen Affandi, wo die expressive Linien bewegen Affandi nicht mehr befolgt oder vertretenen Objekte, sondern sie aus dem Objekt begann aber bewegte sich auf einem anderen Phänomen.

Dieser Zeitraum nicht lange fortsetzen, denn Affandi fühlte sich mehr ein Naturforscher sein. Abstraktion war für ihn immer noch eine fremde Welt. Affandi gemalt an der frischen Luft, und dies ist ein wichtiger Faktor, um ihn davor zu abstrakt, zu verhindern diente, weil es das Objekt, das der letzte Grund für ihn zu malen geblieben war. Neben ihr war sein Humanismus, der auch bestimmt emotionale Bindung an, ebenso wie seine Auswahl von Objekten. Allerdings ist die arbeitet vor seinem Tod noch einmal zeigen eine Tendenz zur abstrakten Malerei, in der Emotion nicht mehr rührt von minimalen, provokante Zeilen. Es entsteht der Eindruck, dass Affandi hatte die Substanz der Menschheit getreten.

Drittens, Bali und Affandi sind fast untrennbar im Zusammenhang mit der Affandi Kunst. Bali scheint gut gedient haben Affandi die Verbindung zwischen dem Körper und der Kunst. Die Ausstellung beinhaltet ein Video von Affandi (Affandi Nach Epoch), und eine Diskussion für den Austausch von Ideen über Affandi.

Fünf Künstlerinnen und Künstler vor dem Sechs

Es ist diese dritte Problem, das ein zentrales Merkmal von Oasis zu sein, eine Ausstellung, dass jeder Prozess des Werdens eine Oase für das Leben, Unterschiede und Lesungen auf der Basis unseres Zusammenseins ist Bundeslaendern haben wird. Künstler in einzigartiger Weise eine Lesung Umgebung (die Basis für Kreativität und kritisches Bewusstsein), das ist zu schaffen - wenn Sie möchten - die "Küche" der Oase, und den Ausgangspunkt für die Arbeiten auf dem Display. Übrigens sollte es sagte, dass diese kuratorische Tour nicht beabsichtigt ist, jede Arbeit zu beschreiben, um zu sehen sein werden. Es ist mehr eine Beschreibung der Ausstellung als Ereignis.

Die Anwesenheit von bildenden Künstlern Nyoman Erawan, Mella Jaarsma, S. Teddy D, Titarubi und Jompet Kuswidananto in dieser Ausstellung, und dann Affandi, gilt als repräsentativ für die Reflexion des Themas der Ausstellung. Diese fünf Künstler sind, zusätzlich zu Affandi, Künstler, die jeweils eine Vielzahl von visuellen Strategien, und wer Experiment mit Medien in ihren Werken.

Nyoman Erawan, zum Beispiel, ist ein bildender Künstler, der fährt oft hin und her zwischen bildender Kunst und balinesischer Tradition als Grundlage für die Bildung von Energie und seine eigene Erzählung. Nyoman Erawan verdeutlicht die Art und Weise bildende Kunst in der Leistung und umgekehrt ausgebildet ist, und wie die Leistung ist in der bildenden Kunst realisiert. Beide Medien verschmelzen, eins mit dem anderen, zu produzieren - für ihn - eine Art von zeitgenössischer bildender Kunst Ethos, die nicht mehr trennt die contempoary und die traditionelle in heterogene anthropologischen Boxen. Identity-Politik nicht mehr entweder durch ethnische oder nationale Vorurteile begrenzt.

Als eines zeitgenössischen Künstlers, Nyoman Erawan fühlt sich immer noch verpflichtet, Ritual in Bali zu führen. Diese Mobilität, zwischen traditionellen und modernen Werten, zwischen Ritual und Alltag, könnte gut durchdacht, um die Reibung in der Phantasie zu erzeugen, in einer Weise, die nicht von Künstlern, die mit zeitgenössischen Werte allein leben wird erlebbar. Die expressive Form in den Gemälden zeigt die Qualität dieser Reibung. Der Raum, Ritual, so scheint es, kann gleichzeitig mit dem Raum der Aussage.

Für die meisten von diesen zehn Jahren hat sich Mella Jaarsma mit den Grenzen zwischen Kleidung-building-Gemälde gerungen, Ankunft in kritischen Fragen der Architektur der Geschlechter Herrschaft und wie man die Geschichte der Menschheit durch Kleidung, die zu Ikonen der Tradition haben zu positionieren. Auf nationaler Ebene ist Kleidung, wie die Menschen die traditionellen Werte, in denen sie glauben, zu definieren. Auf der individuellen Ebene, ist Kleidung, wie man sich selbst stellt, entweder in öffentlichen oder in speziellen Formen der Arbeit. Uniformen, wie sie von den Militärs, Fabrikarbeiter, Beamte und andere getragen, immer wieder dazu verführen, um den Kontrast zu Einheitlichkeit und Vielfalt.

In vielerlei Hinsicht zerlegt Mella Modelle, wie Menschen sind durch die Kleidung die sie tragen bei der Arbeit definiert. Mella im Allgemeinen macht Skizzen oder Zeichnungen, die als die ersten Lesungen der Arbeit gemacht werden dienen. Danach folgt ein Medien-Suche, um die Ideen in der ersten Lesung gefunden zu unterstützen. Generell produziert sie Installationen, neue Formen des Objekts, oder verschiedene Arten von Skulptur. Wir sehen das Entstehen einer neuen Phänomen - der Weg Architektur wird durch die Kleidung manifestiert. Kleidung, die in Gebäuden, wie ein Haus, Gefängnis Kleidung oder Kleidung, die potenzielle geschlechtsspezifische Unterdrückung und soziale Klasse Diskriminierung enthält gekleidet gedreht.

Und die Medien Entdeckungsreise noch nicht zu Ende. Mella hat auch 2-dimensionale Malerei versucht. Alle Arbeiten unter Verwendung verschiedener Medien ist für beide Seiten informativ, dank der Autonomie der bildnerischen Sprache, die jeder trägt. Diskurs wächst dann wie Kleidung und den Körper der Philosophie, die sich durch alle Kunst läuft.

S. Teddy D bringt noch ein anderes Phänomen. Seine Werke zeigen die Empfindlichkeit des Körpers Bewusstsein in Narkose - zwischen der sozialen Imagination und der Phantasie, die keinen Namen hat. Der Mensch ist wie der menschliche Körper, die verschüttet werden beschrieben, und brutal in unserem Gedächtnis bespritzt - etwas, das in einem Zustand der Verwundbarkeit, bleibt das Ethos des Mannes, der sich vorstellt illustrieren. Mit anderen Worten: die Geschichte der Menschheit ist es, anarchistisch bei der Suche nach den Werten, die ihm eine lebendige Sache gemacht, und nicht nur ein Objekt der Geschichte oder Gesellschaft gelesen werden.

Wenn wir uns die Werke von S. Teddy, entweder den Anlagen oder den anderen 3-dimensionale Werke betrachten, finden wir noch andere Lesarten: Das Material neigt dazu, hart, mit scharfen und massiven Formen und Themen des Militarismus und Gewalt. Die 3-dimensionale Arbeiten genau beschreiben die Dimensionen einer Einstellung oder menschlichen Kontext, und veranschaulichen seinen Hang zur Wahrnehmung der Menschheit als Geschichte, die anarcgistically sollte in seinen Bildern gelesen werden. Er zeigt, wie die Menschen zunehmend von ihrer eigenen Geschichte isoliert, und wie diese Geschichte greift die menschlichen Werte. Die Menschheit ist wieder durch die Kunst wider.

Titarubi, die nun zunehmend mit großen Sätzen in ihren Installationen - sagen wir, ein Ausstellungsthema Aussage - öffnet eine Art inneren Raum in ihrer Arbeit. Interner Speicherplatz vorhanden ist, als Haushaltshilfe oder private Sphäre, wo Tita gelangt zu einer Bildsprache, die persönlicher ist. Visuelle Sprache ist, als ob für sie allein gemacht. Der Kampf zwischen der Holzkohle und der Leinwand, zwischen schwarz und weiß und der Schattierung, zwischen der Zusammensetzung und das Format der gewählten Leinwand. Ihre Bilder erzeugen eine Art Kombination von grafischen Arbeiten, Zeichnen und Malen im Gange gleichzeitig.

In einer Waldlandschaft, zum Beispiel, gibt es ein Spiel zwischen dem Wald als Wald, und die Schatten des Waldes, wie der Wald selber. Schatten täuscht über Schatten, eine Art Klangwelt des Waldes, untrennbar von den verschiedenen Klängen der Insekten zu erstellen. Die Reibung zwischen massiven Linien erzeugt den Effekt eines schwarzen Block, sondern entfernen Sie die schwarze Block sich. Es ist eine auditive Wirkung, die sich aus überlagerten Muster von Linien entsteht Reibungswärme.

Schließlich, was nicht durch andere Menschen getan, wird durch Jompet Kuswidananto getan. Dieser Künstler arbeitet wie ein Automechaniker - Tag und Nacht. Der Workshop erstreckt sich auf die Metapher Vielfalt der Exploration von Jompet unternommen. Er ist, als ob das Musizieren in der Installation, die Schaffung eines Video-Theater von Bedeutung, durch die der Körper in elektrische Arbeiten von drei Dimensionen. Die Anwesenheit von Jompet in der Welt der zeitgenössischen bildenden Kunst, ist elektrisierend - buchstäblich! Seine Vergrößerung des visuellen Phänomenen wird elektronisch erzielte Einnahme als Gegenstand die soziale Umgebung.

Jompet Arbeit ist wie Umgestaltung der Werkstatt Metapher in eine diskrete Sprache als Aussage in der Kunst. Alle Möglichkeiten sind elektrisch durch Jompet, die zeigen, wie der Künstler kann seine eigene Welt mit dem Körper als Text zurück durch elektrische Leitungen geschrieben gestalten strebt durchgeführt.

Oase zu Oase Ausstellung zu sehen sein ist wiederum eine Art von intimen Feier, wie der kreative Ethos wird von Künstlern gepflegt, und erzeugt einen Diskurs, der uns, uns als etwas, das den Willen ständig aktualisiert werden, verrät lesen können. Wichtig ist, distanziert er uns von der Art der Geschichte, die, das tut weh wie die Kinder das Eintauchen in Bilder von der Sprache, die sie geprägt.