por Afrizal Malna
Artes fecha de exposición: 25 Marc-10 de mayo 2010
Artists: Affandi, Mella Jaarsma, Titarubi, Erawan Nyoman, Kuswidananto Jompet, S. Teddy D.

Curador: Afrizal malna

Exposiciones artísticas de hoy en día son cada vez más común y están ordenadas por temas, por lo que para las exposiciones que hacen algún tipo de declaración, y esto es cierto tanto para exposiciones individuales y colectivas. Sin embargo, a menudo es el caso de que hay poca relación significativa entre los temas y las obras que se muestran. Esto es sólo una especie leve de prólogo a la exposición que se Oasis. ¿Por qué Oasis a ser? Hay tres aspectos que me gustaría reunir aquí a fin de construir una narrativa de la exposición:

1. Interwoven To Be

Esta exposición no está demasiado lejos de la formación de opiniones sobre el calentamiento global y violaciónes de los derechos humanos en la actualidad para colorear los asuntos internacionales contemporáneos. Estos temas se han convertido en parte de una agenda de arte abogando por el nacimiento de un nuevo tipo de los derechos humanos, en la que hay respeto y reverencia por todas las formas de vida y co-existencence. Esto refleja una norma cosmológico según el cual incluso el más mínimo daño que infligimos tiene un efecto significativo en toda la trama de la vida.

La red de toda la vida es como un tejido del ser (ser), y cualquier artista que continúa leyendo el área creativa entre el yo y el mundo exterior, los límites del arte sin arte, entre el cuerpo y los medios de comunicación externos, y entre las obras de arte y el discurso crítico que se desarrolla alrededor de ellos, se supone que tiene una profunda apreciación de los procesos del ser.

Sin embargo, el término para estar aquí, como se ve en el contexto del calentamiento global y el derretimiento de las tensiones ideológicas de un mundo post-Guerra Fría, ya no implica automáticamente recurrir al discurso existencialista. Obras de arte ya no se lee como una historia de estilo, más bien como una historia de las ideas, temas y técnicas. Y la técnica no se lee como la forma en la que el artista mantiene el estilo en sus pinturas, en lugar de la forma en que utiliza la técnica para apoyar las ideas en las obras. Por lo tanto, se trata de tela se lee como una especie de post-identidad.

2. Oasis To Be

Bali ofrece un contexto socio-histórico que es interesante en términos de los diversos procesos que se encuentran en la región, especialmente en los procesos culturales. En las páginas anterior y posterior de todos los procesos de la cultura cualitativa y cuantitativa coinciden en Bali. Tradición y todas las cosas contemporánea se puede ver aquí y ahora. La corriente de la globalización es la realidad más concreta que nos enfrentamos en esta área: lengua extranjera, en moneda extranjera, todo lo que circula junto con diversas entidades nacionales. La diferencia se ve en la existencia mutua y la realidad común.

En el contexto de Bali en sí, el proceso se hace legible como un ciclo desde el nacimiento a un nuevo nacimiento (la reencarnación, la iluminación), y una limpieza del karma en el camino a la perfección. El proceso de convertirse dentro de este ciclo de la reencarnación por sí mismo no asumir la premisa de cambio a través de la revolución. Cualquier cambio radical tiende a oponerse al ciclo. Por otro lado se puede leer este ciclo como una red de seguridad para la liberalización mundial se filtra en Bali.

En este sentido, Bali ofrece un contexto único para las bellas artes, que se distingue de otras regiones de Indonesia, en muchas maneras. El contexto Balinses es "un oasis de ser". En esta exposición, la idea de oasis ha sido adoptado como un tema central, convirtiéndose en Oasis To Be.

3. Affandi Compartir

Esta exposición también incluye el trabajo de Affandi. Affandi presencia en esta exposición es parte de un esfuerzo para comunicar el efecto de la lectura del Oasis To Be. Affandi es un hito importante en la historia de Indonesia bien el arte contemporáneo - el más duro de los artistas en en términos de su devenir, en medio de la guerra mundial y la guerra de independencia.

En el contexto de la jornada de arte, Affandi es una figura importante para "leer". En primer lugar, Affandi utiliza su propio cuerpo como objeto, convirtiéndose en centro de las varias sorpresas y estrategias visuales que adoptó la hora de pintar. Affandi casi nunca se pintó en el estudio: el cuerpo, la naturaleza, el comportamiento de la gente en el momento de la pintura, el objeto y el lienzo, todo al mismo tiempo se producen en el tiempo y el espacio juntos y terminar en ese momento y en ese espacio. Pintar para él fue un momento creativo, con una duración ininterrumpida, y era irremplazable. Sus manos tocaron y de inmediato sintió al sentir la textura de la superficie del lienzo mientras pintaba.

Esto se tradujo en el expresionismo descrito por Eric Newton: "Affandi no pintaba la realidad, y no pintó la sensación de que él consiguió de la realidad que experimentan." (Bambang Bujono, 2007). Expresionismo Affandi llevó a una apreciación de las principales obras de arte internacional en la India, Europa, Japón y Estados Unidos. De hecho se le considera que ha traído un nuevo expresionismo al canon del expresionismo occidental que era común en ese momento (Herbert Read, 1959).

En segundo lugar, como su arte que se desarrolla, Affandi entrado en otra fase, que se quedó hasta el final de su vida. Soewarjono Crítica formula esta etapa: "Affandi saltó desde el clásico lenguaje figurativo expresionista, el lenguaje visual del expresionismo abstracto" (1970). Este período continuó siendo testigo de Affandi con asombro los avances tecnológicos en la Expo Osaka'70 en Japón. La anatomía de la línea ha visto anteriormente en el trabajo de Affandi - líneas serpenteantes, de títeres, como, tropical, fruto de una cultura de la costa que se basa el pasado, se transformó de repente en formas cubistas y la rectitud del mundo de la tecnología. Soewarjono describe en detalle el Affandi abstracto-expresionista, donde las líneas de expresión se mueven los objetos Affandi ya no se siguieron o representados, sino que comenzó a partir del objeto, pero se trasladó hacia otro fenómeno.

Este período no continuar por mucho tiempo, porque Affandi se sentía más un naturalista. Abstracción para él era todavía un mundo extraño. Affandi pintada al aire libre, y esto es un factor importante que sirve para evitar que él llegue a ser demasiado abstracto, ya que fue el objeto que sigue siendo la razón última para él pintar. Además, su fue su humanismo, que también determina el apego emocional a, así como su selección de objetos. Sin embargo, las obras antes de su muerte, vuelven a mostrar una tendencia hacia la pintura abstracta, en la que la emoción no se deriva de líneas mínimas y provocativos. Existe la impresión de que Affandi había entrado en la esencia de la humanidad.

En tercer lugar, Bali y Affandi son casi inseparables en el contexto del arte de Affandi. Bali parece haber funcionado bien la conexión de Affandi entre el cuerpo y el arte. La exposición incluye un vídeo de Affandi (Affandi Después de época), y una discusión para el intercambio de ideas sobre Affandi.

Cinco artistas ante el Seis

Este es el tercer problema que será un elemento central de Oasis para que, de una exposición que establece que cualquier proceso de convertirse en un oasis para la vida, las diferencias y las lecturas sobre la base de nuestra convivencia. Los artistas son el único capaz de crear un entorno de lectura (la base de la creatividad y la conciencia crítica), que es - si se quiere - de la "cocina" de los oasis, y el punto de partida para las obras expuestas. Dicho sea de paso hay que decir que esta gira curatorial no se pretende describir todas las obras que se expondrán. Es más una descripción de la exposición como evento.

La presencia de artistas visuales Erawan Nyoman, Jaarsma Mella, S. Teddy D, Titarubi y Jompet Kuswidananto en esta exposición, y luego Affandi, se considera representativa para reflejar el tema de la exposición. Estos cinco artistas son, además de Affandi, los artistas que tienen cada uno una variedad de estrategias visuales, y que experimentan con los medios de comunicación en sus obras.

Nyoman Erawan, por ejemplo, es un artista visual que a menudo viaja de ida y vuelta entre el arte y la tradición balinesa, como base para la formación de la energía y su propia narrativa. Nyoman Erawan pone de relieve la forma en que se encarna en el rendimiento de las bellas artes y viceversa, y cómo el rendimiento se realiza en las bellas artes. Tanto la combinación de los medios de comunicación, uno con el otro, para producir - para él - una especie de ethos contemporáneo obras de arte que ya no se separa de la de estilo contemporáneo y el tradicional en los heterogéneos cajas antropológicos. La política de identidad ya no se limita ya sea por prejuicios étnicos o nacionales.

Como un artista contemporáneo, Nyoman Erawan todavía se siente obligado a llevar a cabo rituales en Bali. Esta movilidad, entre los valores tradicionales y contemporáneos, entre el ritual y la vida cotidiana, bien podría pensarse que producen la fricción en la imaginación, de una manera que no es experimentado por los artistas que viven con valores contemporáneos por sí solos. La forma de expresión en las pinturas muestra la calidad de esta fricción. El ritual de espacio, al parecer, puede tener lugar simultáneamente con el espacio de la declaración.

Durante la mayor parte de esta década, Mella Jaarsma ha luchado con los límites entre la ropa-la creación de la pintura, llegando a las preguntas críticas arquitectónicas de la dominación de género y cómo colocar la historia de la humanidad a través de la ropa que se han convertido en iconos de la tradición. A nivel nacional, la ropa es cómo la gente define los valores tradicionales en las que creen. A nivel individual, la ropa es cómo uno se presenta a sí mismo, ya sea en público o en formas especializadas de trabajo. Uniformes, según lo usado por los trabajadores de las fábricas militares, funcionarios públicos y otros, continuamente nos tientan a la uniformidad de contraste y la diversidad.

En muchos sentidos, Mella desmonta los modelos de cómo los seres humanos se definen por la ropa que llevan en el trabajo. Mella en general, hace bocetos o dibujos que sirven como los valores iniciales de la obra a realizar. Después de eso sigue una búsqueda de los medios de comunicación para apoyar las ideas que se encuentran en la lectura inicial. Por lo general se produce instalaciones, nuevas formas de objetos, o varias clases de escultura. Podemos ver la aparición de un fenómeno nuevo - la arquitectura forma en que se manifiesta a través de la ropa. La ropa que se convirtieron en los edificios, vestida como una casa, ropa de prisión, o la ropa que contiene la opresión de género y la discriminación potencial de la clase social.

Y el viaje de exploración los medios de comunicación no termina ahí. Mella también ha tratado de pintura de 2 dimensiones. Todo el trabajo utilizando diversos medios de comunicación es intercambio mutuo de información, gracias a la autonomía del lenguaje visual que cada uno lleva. Discurso luego crece como la ropa y la filosofía del cuerpo que corre a través de todo el arte.

S. Teddy D trae un nuevo fenómeno. Sus obras revelan la sensibilidad de la conciencia del cuerpo en la narcosis - entre el imaginario social y la imaginación que no tiene nombre. El hombre es descrito como el cuerpo humano que se derrama, y ​​salpicado brutalmente en nuestra memoria - algo que permanece en un estado de vulnerabilidad para ilustrar el espíritu del hombre que imagina. En otras palabras, la historia de la humanidad se va a leer anárquicamente en la búsqueda de los valores que hicieron de él un ser vivo, y no sólo un objeto de la historia o la sociedad.

Cuando nos fijamos en las obras de S. Teddy, ya sea las instalaciones o de las otras 3 obras tridimensionales, sin embargo, nos encontramos con otras lecturas: el material tiende a ser difícil, con formas afiladas y masiva, y los temas de militarismo y la violencia. Las obras en 3 dimensiones describir con precisión las dimensiones de un escenario o contexto humano, e ilustrar su prediliction para la humanidad percibe como la historia que debe ser leído anarcgistically en sus pinturas. El autor muestra cómo la gente está cada vez más aislado por su propia historia, y cómo esta historia se ataca a los valores humanos. La humanidad se hizo eco de regreso a través del arte.

Titarubi, que cada vez cuenta con grandes penas en sus instalaciones-por ejemplo, una declaración tema de la exposición - se abre una especie de espacio interno en su trabajo. El espacio interno está presente como un ámbito doméstico o privado, donde Tita llega a un lenguaje visual que es más personal. El lenguaje visual es como si estuvieran hechos para ella sola. La lucha entre el carbón y el lienzo, entre el blanco y negro y la sombra, entre la composición y el formato de la tela elegida. Sus pinturas producen una especie de combinación de la obra gráfica, dibujo y pintura en progreso al mismo tiempo.

En un paisaje de bosque, por ejemplo, hay un juego entre el bosque como tal, y las sombras de la selva como el propio bosque. Sombra oculta la sombra para crear una especie de mundo de los sonidos de un bosque, inseparable de los diferentes sonidos de los insectos. La fricción entre las líneas masivas crea el efecto de un bloque negro, pero retirar el bloque negro en sí. Es un efecto auditivo que surge de los patrones superpuestos de las líneas de fricción.

Por último, todo lo que no se lleva a cabo por otras personas, se hace Jompet Kuswidananto. Este artista trabaja como un taller mecánico - día y noche. La metáfora taller se extiende a la variedad de exploración realizada por Jompet. Es como si hacer música en la instalación, la creación de una sala de vídeo de significado, por lo que el cuerpo eléctrico en las obras de tres dimensiones. La presencia de Jompet en el mundo del arte contemporáneo, es electrizante - ¡literalmente! Su aumento de los fenómenos visuales se logra electrónicamente, tomando como materia el entorno social.

Jompet trabajo es como la transformación de la metáfora del taller en un lenguaje discreto comunicado en el art. Todas las posibilidades están eléctricamente conducida por Jompet, que se esfuerza por mostrar cómo el artista puede diseñar su propio mundo usando el cuerpo como un texto escrito hacia atrás a través de líneas eléctricas.

Oasis To Be La exposición es a su vez una especie de celebración íntima de cómo el espíritu creativo es cultivado por artistas, y produce un discurso que nos permite a nosotros mismos que se lea como algo que traiciona la voluntad de actualización constante. Es importante destacar, que nos aleja de la clase de historia que duele, al igual que los niños se sumergen en las imágenes de la lengua que les da forma.