par Afrizal Malna
Date d'exposition des Arts: 25 Marc-10 mai 2010
Artistes: Affandi, Mella Jaarsma, Titarubi, Nyoman Erawan, Jompet Kuswidananto, S. Teddy D.

Conservateur: Afrizal malna

Expositions de beaux-arts d'aujourd'hui sont devenus de plus en plus commun et sont thématiquement disposées, ce qui pour des expositions qui font une sorte de déclaration, et cela est vrai pour les deux expositions individuelles et collectives. Cependant, il est souvent le cas qu'il ya peu de relation significative entre les thèmes et les œuvres de leur présentation. Ce n'est qu'une sorte de prologue doux à l'Oasis exposition To Be. Pourquoi Oasis To Be? Il ya trois volets que je voudrais réunir ici afin de construire un récit de l'exposition:

1. Interwoven To Be

Cette exposition n'est pas trop loin de former une opinion sur le réchauffement de la planète et violations des droits humains actuellement à colorier les affaires internationales contemporaines. Ces sujets sont devenus partie intégrante d'un programme d'art prônant la naissance d'un nouveau type de droits de l'homme, dans lequel il ya le respect et la vénération pour toutes les formes de la vie et co-existencence. Cela reflète une norme cosmologique selon laquelle même le moindre dommage que nous infligeons a un effet significatif sur le web entier de la vie.

L'ensemble du réseau de la vie est comme un tissu de l'être (l'être), et tous les artistes qui continue à lire l'espace créatif entre le soi et le monde extérieur, les frontières de l'art sans art, entre le corps et les médias extérieurs, et entre les œuvres d'art et le discours critique qui se développe autour d'eux, est supposé avoir une profonde appréciation des processus de l'être.

Mais le terme d'être ici, comme on le voit dans le contexte du réchauffement climatique et la fonte des tensions idéologiques d'un monde post-guerre froide, ne sont plus automatiquement que le recours au discours existentialiste. Beaux-Arts ne se lit plus comme une histoire de style, un peu comme une histoire des idées, des thèmes et des techniques. Et la technique n'est pas lu comme la manière dont l'artiste conserve le style de ses tableaux, plutôt la façon dont il utilise la technique pour soutenir les idées dans les œuvres. Par conséquent, ce tissu est d'être lu comme une sorte de post-identité.

2. Oasis To Be

Bali offre un contexte socio-historique qui est intéressant en termes de processus divers trouvés dans la région, en particulier les processus culturels. Les pages avant et arrière de tous les processus de la culture qualitative et quantitative coïncident à Bali. Tradition et toutes les choses contemporain peut être vu ici et maintenant. Le courant de la mondialisation est la réalité la plus concrète que nous devons relever dans ce domaine: la langue étrangère, monnaie étrangère, tout circulant le long avec diverses entités nationales. La différence est vu dans l'existence mutuelle et la réalité commune.

Dans le contexte de Bali elle-même, le processus devient lisible comme un cycle de la naissance à la nouvelle naissance (la réincarnation, l'illumination), et un nettoyage du karma sur le chemin de la perfection. Le processus de devenir dans ce cycle de la renaissance n'est pas en soi suppose l'hypothèse du changement par la révolution. Tout changement radical tend à s'opposer au cycle. D'autre part, on peut lire ce cycle comme un filet de sécurité pour la libéralisation du commerce mondial qui s'infiltre dans Bali.

En ce sens, Bali offre un cadre unique pour des beaux-arts, qui se distingue des autres régions en Indonésie en tant de manières. Le contexte Balinses est "une oasis d'être". Dans cette exposition, l'idée d'oasis a été adopté comme un thème central, devenant Oasis To Be.

3. Partage Affandi

Cette exposition comprend également le travail de Affandi. Présence Affandi dans cette exposition s'inscrit dans le cadre d'un effort pour communiquer l'effet de la lecture de l'Oasis To Be. Affandi est un jalon important dans l'histoire de l'art indonésien d'art contemporains - le plus dur des artistes en termes de son devenir, au milieu guerre mondiale et la guerre d'indépendance.

Dans le contexte du voyage de l'art, Affandi est une figure importante de «lire». Tout d'abord, Affandi utilisé son propre corps comme objet, devient centrale pour les diverses surprises et stratégies visuelles qu'il a adoptés lors de la peinture. Affandi presque jamais peint dans l'atelier: le corps, la nature, le comportement des gens au moment de la peinture, l'objet et la toile, tout se produisent simultanément dans le temps et l'espace ainsi et se termine à ce moment-là et dans cet espace. La peinture est pour lui, c'était un moment créatif avec durée ininterrompue, et était irremplaçable. Ses mains ont touché, et tout de suite senti quand on se sent la texture de surface de la toile comme il peint.

Il en est résulté l'expressionnisme décrit par Eric Newton: "Affandi ne pas peindre la réalité, plutôt, il peint le sentiment qu'il a eu de la réalité qu'il a vécu." (Bambang Bujono, 2007). Expressionnisme conduit Affandi à une appréciation de grande art international en Inde, en Europe, le Japon et les États-Unis. En effet, il est considéré comme ayant mis un expressionnisme nouveau le canon de l'expressionnisme de l'Ouest qui était monnaie courante à l'époque (Herbert Read, 1959).

Deuxièmement, comme son art au point, Affandi entré dans une autre phase, qui se traînait jusqu'à la fin de sa vie. Soewarjono porte-parole de formule ce stade: "Affandi bondi de langage figuratif expressionniste classique, le langage visuel de l'abstrait-expressionniste" (1970). Cette période a continué comme Affandi témoin avec étonnement les développements technologiques à l'Expo Osaka'70 au Japon. L'anatomie de la ligne a vu précédemment dans le travail de Affandi - lignes serpentant, de marionnettes, comme, tropicale, issu d'une culture côtière qui a sous-jacente passé, a été soudainement transformée en formes cubistes et la rectitude du monde de la technologie. Soewarjono décrit en détail la Affandi abstraite expressionniste-, où les lignes expressives objets mobiles ne sont plus suivies Affandi ou représentés, ils ont commencé plutôt de l'objet, mais déplacé vers un autre phénomène.

Cette période n'a pas durer longtemps, parce Affandi se sentait plus d'un naturaliste. Abstraction pour lui était encore un monde étranger. Affandi peint en plein air, et c'est un facteur important qui a servi à l'empêcher de devenir trop abstraite, car il était l'objet qui est resté la raison ultime pour lui de peindre. En outre, leur était son humanisme qui a également déterminé l'attachement émotionnel à, ainsi que sa sélection d'objets. Toutefois, les travaux avant sa mort montrent à nouveau une tendance à la peinture abstraite, où l'émotion ne relève plus de minimes, les lignes provocatrices. On a l'impression que Affandi était entré dans la substance de l'humanité.

Troisièmement, Bali et Affandi sont presque inséparables dans le contexte de l'art de Affandi. Bali semble avoir bien servi connexion Affandi, entre le corps et l'art. L'exposition comprend une vidéo de Affandi (Affandi Après Epoch), et une discussion pour échanger des idées sur Affandi.

Cinq artistes avant les Six

C'est cette troisième problème, qui sera un élément central de Oasis To Be, une exposition qui indique que tout processus du devenir est une oasis pour la vie, les différences et les lectures basées sur notre être ensemble. Les artistes sont les seuls capables de créer un environnement de lecture (la base de la créativité et la conscience critique), qui est - si vous le souhaitez - la «cuisine» de l'oasis, et le point de départ pour les œuvres exposées. Par ailleurs, il faut dire que cette tournée de conservation n'est pas destiné à décrire tous les travaux qui seront exposés. Il est plus une description de l'exposition en tant qu'événement.

La présence de visuels Erawan artistes Nyoman, Mella Jaarsma, S. Teddy D, Titarubi et Jompet Kuswidananto dans cette exposition, puis Affandi, est considéré comme représentatif pour réfléchir sur le thème de l'exposition. Ces cinq artistes sont, en plus de Affandi, les artistes qui ont chacun une variété de stratégies visuelles, et qui font l'expérience avec les médias dans leurs œuvres.

Nyoman Erawan, par exemple, est une artiste visuelle qui voyage souvent et-vient entre art et tradition balinaise comme une base pour la formation de l'énergie et son propre récit. Nyoman Erawan souligne la façon dont art s'incarne dans la performance et vice versa, et comment la performance est réalisée dans l 'art. Les deux médias de fusion, l'une avec l'autre, pour produire - pour lui - une sorte de philosophie de l'art contemporain amende qui ne sépare plus l'contempoary et le traditionnel dans hétérogènes boîtes anthropologiques. La politique d'identité ne sont plus limités soit par préjugés ethniques ou nationales.

Comme un artiste contemporain, Nyoman Erawan se sent toujours obligé de mener rituel à Bali. Cette mobilité, entre les valeurs traditionnelles et contemporaines, entre le rituel et la vie quotidienne, pourrait bien être pensé à produire des frictions dans l'imaginaire, d'une manière qui n'est pas connu par des artistes qui vivent avec des valeurs contemporaines seuls. La forme expressive dans les peintures montre la qualité de ce frottement. Le rituel d'espace, il semble, ne peut avoir lieu simultanément avec l'espace de la déclaration.

Pour la plupart de cette décennie, Mella Jaarsma a lutté avec les limites entre les vêtements des capacités de peinture, d'arriver à des questions critiques d'architecture de domination entre les sexes et la façon de positionner l'histoire de l'humanité à travers les vêtements qui sont devenus des icônes de la tradition. Au niveau national, les vêtements est de savoir comment les gens définissent les valeurs traditionnelles dans lesquelles ils croient. Au niveau individuel, l'habillement est la façon dont on présente lui-même, que ce soit en public ou en des formes spécialisées de travail. Uniformes, comme porté par les travailleurs d'usine, militaires, fonctionnaires et autres, ne cesse de nous séduire à l'uniformité de contraste et de la diversité.

À bien des égards, Mella démonte les modèles de la façon dont les humains sont définis par les vêtements qu'ils portent au travail. Mella fait généralement des croquis ou des dessins qui servent les valeurs initiales des travaux à être réalisés. Après cela, il suit une recherche dans les médias pour soutenir les idées trouvées dans la lecture initiale. En règle générale, elle réalise des installations, de nouvelles formes de l'objet ou divers genres de la sculpture. Nous pouvons voir l'émergence d'un phénomène nouveau - la façon dont l'architecture se manifeste à travers les vêtements. Vêtements qui se transforment en bâtiments, vêtus comme une maison, vêtements de la prison, ou les vêtements qui contient l'oppression de genre et la discrimination à la classe sociale.

Et le voyage d'exploration des médias ne s'arrête pas là. Mella a également essayé 2-dimensionnelle peinture. Tout le travail à l'aide de divers médias est mutuellement informative, grâce à l'autonomie du langage visuel que chacun porte. Discours grandit alors, comme les vêtements et la philosophie du corps qui traverse tout l'art.

S. Teddy D apporte encore un autre phénomène. Ses œuvres révèlent la sensibilité de la conscience du corps dans la narcose - entre l'imaginaire social et l'imagination qui n'a pas de nom. L'homme est décrit comme le corps humain qui se répand, et éclaboussé brutalement dans notre mémoire - quelque chose qui reste dans un état de vulnérabilité pour illustrer la philosophie de l'homme qui imagine. En d'autres termes l'histoire de l'humanité doit être lu anarchistically dans la recherche pour les valeurs qui ont fait de lui un être vivant, et pas seulement un objet de l'histoire ou de la société.

Quand on regarde les œuvres de S. Teddy, que ce soit les installations ou les 3 autres œuvres tridimensionnelles, nous trouvons encore d'autres lectures: la matière tend à être difficile, avec des formes vives et massives, et les thèmes du militarisme et la violence. Les œuvres en 3 dimensions de décrire avec précision les dimensions d'un cadre ou un contexte humain, et d'illustrer son prédilection pour l'humanité percevoir que l'histoire qui doit être lu anarcgistically dans ses peintures. Il montre comment les gens sont de plus en plus isolés par leur propre histoire, et comment cette histoire attaque les valeurs humaines. L'humanité est en écho à travers l'art.

Titarubi, qui dispose désormais de plus en plus de grandes phrases dans ses installations - dire, une déclaration thème de l'exposition - ouvre une sorte d'espace intérieur dans son travail. L'espace intérieur est présent en tant que sphère domestique ou privée où Tita arrive à un langage visuel qui est plus personnelle. Langage visuel est fait comme si pour elle seule. La lutte entre le charbon de bois et la toile, entre le noir et blanc et l'ombrage, entre la composition et le format de la toile choisie. Ses peintures de produire une sorte de combinaison de travail graphique, dessin et la peinture en cours simultanément.

Dans un paysage forestier, par exemple, il ya un jeu entre la forêt comme la forêt, et les ombres de la forêt comme la forêt elle-même. Ombre dément l'ombre pour créer une sorte de monde sonore d'une forêt, inséparable de différents sons d'insectes. Friction entre les lignes massives crée l'effet d'un bloc noir, mais retirer le bloc noir lui-même. Il s'agit d'un effet auditif qui se pose à partir de motifs superposés de lignes de frottement.

Enfin, ce qui n'est pas fait par d'autres personnes, se fait par Jompet Kuswidananto. Cette artiste travaille comme mécanicien dans un garage - jour et nuit. La métaphore atelier s'étend à la variété de l'exploration entrepris par Jompet. Il est comme si faire de la musique dans l'installation, la création d'un théâtre vidéo de sens, ce qui rend le corps électrique dans les œuvres de trois dimensions. La présence de Jompet dans le monde des beaux-arts contemporain, est électrisante - littéralement! Son grossissement de phénomènes visuels est réalisé par voie électronique, en prenant comme sujet l'environnement social.

Travail Jompet est comme la métaphore de transformer l'atelier en un langage discret que de la déclaration dans l'art. Toutes les possibilités sont électriquement menée par Jompet, qui s'efforce de montrer comment l'artiste peut concevoir son propre monde en utilisant le corps comme un texte écrit en arrière à travers les lignes électriques.

Oasis To Be L'exposition est à son tour une sorte de célébration intime de la façon dont l'ethos créatif est cultivé par des artistes, et produit un discours qui nous permet de nous lire comme quelque chose qui trahit la volonté d'être constamment mis à jour. Surtout, elle nous éloigne de la nature de l'histoire qui fait mal, comme des enfants en se plongeant dans des images de la langue qui les forme.