da Afrizal Malna
Data Arts mostra: 25 Marc-10 MAGGIO 2010
Artists: Affandi, Mella Jaarsma, Titarubi, Nyoman Erawan, Jompet Kuswidananto, S. Teddy D.

Curatore: Afrizal malna

Mostre d'arte oggi sono diventati sempre più comuni e sono organizzate per temi, rendendo per le mostre che fanno un qualche tipo di dichiarazione, e questo vale sia per mostre personali e collettive. Tuttavia, è spesso il caso che c'è poco significativa relazione tra i temi e le opere viene mostrato. Questa è solo una sorta di prologo lieve alla mostra che si Oasis. Perché Oasis To Be? Ci sono tre linee che mi piacerebbe riunire qui per costruire una narrazione della mostra:

1. Interwoven To Be

Questa mostra non è troppo lontano dalla formazione delle opinioni sul riscaldamento globale e violazioni dei diritti umani attualmente coloranti contemporanei affari internazionali. Questi argomenti sono diventati parte di un'agenda d'arte sostenendo la nascita di un nuovo tipo di diritti umani, in cui vi sia rispetto e riverenza per tutte le forme di vita e co-existencence. Ciò riflette una norma cosmologica secondo la quale anche il più piccolo danno che ci infliggiamo ha un effetto significativo sulla intera rete della vita.

L'intera rete della vita è come un tessuto di essere (essere), e ogni artista che continua a leggere l'area creativa tra il sé e il mondo esterno, i confini dell'arte senza arte, tra il corpo e media esterni, e tra le opere d'arte e il discorso critico che si sviluppa intorno a loro, si presume di avere una profonda comprensione dei processi di benessere.

Ma il termine per essere qui, come si è visto sullo sfondo del riscaldamento globale e lo scioglimento delle tensioni ideologiche di un post-guerra fredda, non implica automaticamente il ricorso al discorso esistenzialista. Arte non è più letta come una storia di stile, piuttosto come una storia di idee, temi e tecniche. E la tecnica non viene letta come il modo in cui l'artista mantiene lo stile nei suoi quadri, piuttosto il modo in cui si usa la tecnica per sostenere le idee in cantiere. Pertanto, ciò è tessuto viene letta come una sorta di post-identità.

2. Oasis To Be

Bali offre una contesto storico-sociale che è interessante in termini di vari processi presenti nella regione, in particolare i processi culturali. Le pagine fronte e retro di tutti i processi della cultura qualitativa e quantitativa coincidono in Bali. Tradizione e tutte le cose contemporanea può essere visto qui e ora. La corrente della globalizzazione è la realtà più concreta che abbiamo di fronte in questo settore: lingua straniera, valuta estera, tutte in circolo insieme a vari enti nazionali. La differenza si vede nella reciproca esistenza e la realtà comune.

Nel contesto di Bali stessa, il processo diventa leggibile come un ciclo, dalla nascita alla nuova nascita (reincarnazione, illuminazione), e una pulizia del karma sulla via della perfezione. Il processo del divenire all'interno di questo ciclo di rinascita, di per sé non assumere la premessa del cambiamento attraverso la rivoluzione. Qualsiasi cambiamento radicale tende ad opporsi al ciclo. D'altra parte si può leggere questo ciclo come rete di sicurezza per la liberalizzazione globale di infiltrarsi in Bali.

In questo senso, Bali offre un contesto unico per belle arti, che si distingue da altre regioni in Indonesia in tanti modi. Il contesto Balinses è "un'oasi di essere". In questa mostra, l'idea di oasi è stato adottato come tema centrale, diventando Oasis To Be.

3. Affandi Sharing

La mostra comprende anche il lavoro di Affandi. Affandi presenza in questa mostra è parte di uno sforzo per comunicare l'effetto della lettura del Oasi To Be. Affandi è una tappa importante nella storia dell'arte contemporanea indonesiana fine - il più duro di artisti in in termini di suo divenire, tra guerra mondiale e la guerra di indipendenza.

Nel contesto del viaggio d'arte, Affandi è una figura importante a 'leggere'. In primo luogo, Affandi utilizzato il proprio corpo come oggetto, diventando centrale per le varie sorprese e le strategie visive da lui adottate quando la pittura. Affandi quasi mai dipinto in studio: il corpo, la natura, il comportamento della gente al momento della pittura, oggetti e tele, tutte contemporaneamente si verificano nel tempo e nello spazio insieme e finire in quel momento e in quello spazio. Dipingere per lui era un momento creativo con la durata ininterrotta, ed è stato insostituibile. Le sue mani hanno toccato e subito intuito quando ci si sente la texture della superficie della tela come lui dipinta.

Ciò ha comportato l'espressionismo descritto da Eric Newton: "Affandi non dipinge la realtà, ma dipinse la sensazione che ha ottenuto dalla realtà ha vissuto." (Bambang Bujono, 2007). Espressionismo Affandi ha portato ad un apprezzamento della grande arte internazionale bene in India, Europa, Giappone e Stati Uniti. Anzi, egli è considerato hanno portato un espressionismo nuovo canone di espressionismo occidentale che era comune in quel momento (Herbert Read, 1959).

In secondo luogo, come ha sviluppato la sua arte, Affandi entrati in un'altra fase, che si protrasse fino alla fine della sua vita. Soewarjono Critic formula questa fase: "Affandi saltato dal classico linguaggio figurativo espressionista, al linguaggio visivo astratto-espressionista" (1970). Questo periodo continuato come Affandi visto con stupore gli sviluppi tecnologici a Expo Osaka'70 in Giappone. L'anatomia della linea visto in precedenza nel lavoro di Affandi - linee serpeggianti, marionette-like, tropicale, derivante da una cultura costiera che è alla base di passato, si trasformò improvvisamente in forme cubiste e la rettilineità dal mondo della tecnologia. Soewarjono descrive in dettaglio il astratto-espressionista Affandi, dove le linee espressive Affandi oggetti in movimento non è più seguite o rappresentati, anzi hanno cominciato dall'oggetto, ma spostato verso un altro fenomeno.

Questo periodo non continuare a lungo, perché Affandi sentiva di essere più un naturalista. Astrazione per lui era ancora un mondo estraneo. Affandi dipinto all'aria aperta, e questo è un fattore importante che è servito a impedirgli di diventare troppo astratto, perché era l'oggetto che è rimasto la ragione ultima per lui a dipingere. Inoltre la loro era il suo umanesimo che anche determinata attaccamento emotivo, così come la sua selezione di oggetti. Tuttavia, l'opera prima della sua morte ancora una volta mostrano una tendenza verso la pittura astratta, in cui le emozioni non deriva dalla minimal, linee provocatorie. C'è l'impressione che Affandi era entrato la sostanza di umanità.

In terzo luogo, Bali e Affandi sono quasi inseparabili nel contesto dell'arte del Affandi. Bali sembra aver servito bene Affandi collegamento fra il corpo e l'arte. La mostra comprende un video di Affandi (Affandi Dopo Epoca), e una discussione per la condivisione di idee su Affandi.

Cinque gli artisti prima del Six

E 'il terzo problema che sarà un elemento centrale del Oasis To Be, una mostra che afferma che ogni processo del divenire è un'oasi per la vita, le differenze e le letture sulla base della nostra stare insieme. Gli artisti sono gli unici in grado di creare un ambiente di lettura (la base per la creatività e la consapevolezza critica), che è - se vi piace - la 'cucina' delle oasi, e il punto di partenza per le opere in mostra. Per inciso va detto che questo tour curatoriale non è destinato a descrivere ogni opera da esporre. È più una descrizione della mostra come evento.

La presenza di artisti visivi Nyoman Erawan, Jaarsma Mella, S. Teddy D, Titarubi e Jompet Kuswidananto in questa mostra, e poi Affandi, è considerata rappresentativa per riflettere il tema della mostra. Questi cinque artisti sono, oltre a Affandi, artisti che hanno ciascuno una varietà di strategie visive, e che sperimentano con i media nelle loro opere.

Nyoman Erawan, per esempio, è un artista visivo che viaggia spesso avanti e indietro tra arte e tradizione balinese come base per la formazione di energia e il suo racconto. Nyoman Erawan mette in evidenza il modo in cui si incarna arte in termini di prestazioni e viceversa, e come prestazioni è realizzata in arte. Entrambi merge media, uno con l'altro, a produrre - per lui - una sorta di ethos arte contemporanea che non separa più il contempoary e la tradizionale eterogenei in scatole antropologiche. L'identità politica non sono più limitati da una pregiudizi etnici o nazionali.

Come un artista contemporaneo, Nyoman Erawan ancora si sente in dovere di condurre rituale in Bali. Questa mobilità, tra i valori tradizionali e contemporanei, tra i rituali e la vita quotidiana, potrebbe essere pensato per produrre attrito nella fantasia, in un modo che non viene vissuta dagli artisti che vivono da soli con i valori contemporanei. La forma espressiva nei dipinti mostra la qualità di questo attrito. Il rituale spazio, a quanto pare, può aver luogo contemporaneamente con lo spazio della dichiarazione.

Per la maggior parte di questo decennio, Mella Jaarsma ha lottato con i confini tra abbigliamento-building-painting, arrivando a critiche questioni architettoniche di dominazione di genere e come posizionare la storia del genere umano attraverso i vestiti che sono diventati icone della tradizione. A livello nazionale, l'abbigliamento è come le persone definiscono i valori tradizionali in cui credono. A livello individuale, l'abbigliamento è come si presenta se stesso, né in pubblico né in forme specializzate di lavoro. Divise, come indossato dai militari, operai, funzionari e altri, ci tentano continuamente di uniformità di contrasto e la diversità.

In molti modi, Mella smonta modelli di come gli esseri umani sono definiti dai vestiti che indossano sul posto di lavoro. Mella rende generalmente schizzi o disegni che servono come i valori iniziali dei lavori da effettuare. Dopo che segue una ricerca supporto per sostenere le idee si trovano nella lettura iniziale. Generalmente si produce impianti, nuove forme di oggetti, o vari tipi di scultura. Possiamo vedere l'emergere di un fenomeno nuovo - l'architettura modo si manifesta attraverso i vestiti. Abiti che trasformati in edifici, vestiti come una casa, abbigliamento carcere, o gli abiti che contiene l'oppressione di genere e potenziale discriminazione di classe sociale.

E il viaggio di esplorazione dei media non finisce qui. Mella ha anche provato a 2 dimensioni pittura. Tutto il lavoro utilizzando diversi mezzi è reciprocamente informativo, grazie alla autonomia del linguaggio visivo che ciascuna porta. Il discorso poi cresce come l'abbigliamento e la filosofia del corpo che attraversa tutta l'arte.

S. Teddy D porta ancora un altro fenomeno. Le sue opere rivelano la sensibilità della coscienza del corpo in narcosi - tra l'immaginazione sociale e l'immaginazione che non ha nome. L'uomo è descritto come il corpo umano che sarà versato, e ha imbrattato brutalmente nella nostra memoria - qualcosa che rimane in uno stato di vulnerabilità per illustrare l'ethos di un uomo che immagina. In altre parole, la storia dell'umanità è da leggere anarchistically nella ricerca per i valori che lo hanno reso una cosa viva, e non solo un oggetto della storia o della società.

Quando guardiamo le opere di S. Teddy, sia gli impianti o le altre 3 opere tridimensionali, troviamo ancora altre letture: il materiale tende ad essere rigido, con forme taglienti e massicci, e temi del militarismo e della violenza. Le tre opere bidimensionali descrivere con precisione le dimensioni di un ambiente o contesto umano, e illustrare il suo prediliction per l'umanità percepire la storia che deve essere letto anarcgistically nei suoi dipinti. Egli mostra come le persone sono sempre più isolati dalla propria storia, e di come questa storia attacca i valori umani. L'umanità si ritrova di nuovo attraverso l'arte.

Titarubi, che ora dispone di frasi sempre più grandi le sue installazioni - per esempio, una dichiarazione tema della mostra - si apre una sorta di spazio interno, nel suo lavoro. Spazio interno è presente come una sfera domestica o privata in cui Tita arriva ad un linguaggio visivo che è più personale. Linguaggio visivo è come se fatta solo per lei. La lotta tra il carbone e la tela, tra il bianco e nero e le sfumature, tra la composizione e il formato della tela scelta. I suoi dipinti producono una sorta di combinazione di lavoro di grafica, disegno e pittura in corso contemporaneamente.

In un paesaggio foresta, per esempio, c'è un gioco tra la foresta come foresta, e le ombre della foresta, come la foresta stessa. Ombra smentisce ombre per creare una sorta di mondo sonoro di una foresta, inseparabile dai vari suoni di insetti. L'attrito tra le linee massicce crea l'effetto di un blocco nero, ma rimuovere il blocco nero stesso. È un effetto uditivo che deriva da modelli di linee sovrapposte attrito.

Infine, tutto ciò che non viene fatto da altre persone, è fatto da Jompet Kuswidananto. Questo artista funziona come un meccanico garage - giorno e notte. La metafora laboratorio si estende alla varietà di esplorazione intrapresa da Jompet. E 'come se fare musica per l'installazione, la creazione di un video-teatro di significato, rendendo il corpo elettrico nelle opere di tre dimensioni. La presenza di Jompet nel mondo dell'arte contemporanea fine, è elettrizzante - letteralmente! Il suo ingrandimento di fenomeni visivi si ottiene per via elettronica, prendendo come oggetto l'ambiente sociale circostante.

Lavoro Jompet è come trasformare la metafora laboratorio in una lingua discreta come dichiarazione di cui all'art. Tutte le possibilità sono elettricamente condotto da Jompet, che si sforza di mostrare come l'artista in grado di progettare il proprio mondo utilizzando il corpo come un testo scritto indietro attraverso linee elettriche.

Oasis To Be La mostra è a sua volta una sorta di celebrazione intima di come la filosofia creativa è coltivata da artisti, e produce un discorso che ci permette di leggere noi stessi come qualcosa che tradisce la volontà di essere costantemente aggiornati. Importante, che ci si allontana dal tipo di storia che fa male, come i bambini immergersi nelle immagini del linguaggio che li forma.