door Afrizal Malna
Arts tentoonstelling: 25 Marc-10 mei 2010
Artiesten: Affandi, Mella Jaarsma, Titarubi, Nyoman Erawan, Jompet Kuswidananto, S. Teddy D.

Curator: Afrizal malna

Fijne kunst tentoonstellingen vandaag worden steeds vaak voor en worden thematisch geordend, waardoor voor tentoonstellingen die een soort van statement te maken, en dit geldt zowel voor solo-en groepstentoonstellingen. Het is echter vaak het geval dat er weinig significante relatie tussen de thema's en de werken worden getoond. Dit is slechts een milde soort van proloog van de tentoonstelling Oasis To Be. Waarom Oasis To Be? Er zijn drie onderdelen wil ik hier samen te brengen om een ​​verhaal van de tentoonstelling op te bouwen:

1. Interwoven To Be

Deze tentoonstelling is niet te ver van het vormen van meningen over de opwarming van de aarde en de schendingen van de mensenrechten momenteel kleuren van de hedendaagse internationale zaken. Deze onderwerpen zijn onderdeel geworden van een kunst agenda bepleiten de geboorte van een nieuw soort van de mensenrechten, waarin sprake is van respect en eerbied voor alle vormen van leven en co-existencence. Dit weerspiegelt een kosmologische norm volgens welke zelfs de geringste schade die we toebrengen heeft een significant effect op het hele web van het leven.

Het hele netwerk van het leven is als een weefsel van het zijn (zullen) worden, en elke kunstenaar die nog steeds te lezen van de creatieve gebied tussen het zelf en de buitenwereld, de grenzen van de kunst met geen kunst, tussen het lichaam en uiterlijke media, en tussen de kunstwerken en de kritische discours dat zich ontwikkelt om hen heen, wordt aangenomen dat het een diepe waardering van de processen van het zijn te hebben.

Maar de term hier te zijn, gezien tegen de achtergrond van de opwarming van de aarde en het smelten van de ideologische spanningen van een post-Koude Oorlog wereld, niet meer automatisch in dat beroep te doen op existentialistische discours. Beeldende kunst wordt niet meer lezen als een geschiedenis van stijl, eerder als een geschiedenis van ideeën, thema's en technieken. En techniek wordt niet gelezen als de manier waarop de kunstenaar stijl houdt in zijn schilderijen, in plaats van de manier waarop hij gebruik maakt van techniek om de ideeën te ondersteunen in de werken. Daarom wordt dit als stof gelezen als een soort post-identiteit.

2. Oasis To Be

Bali biedt een sociaal-historische context die interessant is in termen van de verschillende processen in de regio, met name culturele processen. De voor-en achterpagina's van alle processen van kwalitatieve en kwantitatieve cultuur samen in Bali. Traditie en alle dingen hedendaagse kan hier en nu te zien. De stroom van de globalisering is het meest concrete realiteit waar we voor staan ​​op dit gebied: vreemde taal, vreemde valuta, waarin alle circulerende samen met diverse nationale organisaties. Verschil is te zien in onderling bestaan ​​en de gezamenlijke werkelijkheid.

In het kader van Bali zelf, het proces wordt leesbaar als een cyclus van geboorte tot nieuwe geboorte (reïncarnatie, verlichting) en een reiniging van karma op de weg naar perfectie. Het proces van het worden in deze cyclus van wedergeboorte op zich niet het uitgangspunt van verandering door revolutie te nemen. Een radicale verandering heeft de neiging om zich te verzetten tegen de cyclus. Aan de andere kant kunnen we lezen deze cyclus als een vangnet voor de mondiale liberalisering sijpelen in Bali.

In die zin Bali biedt een unieke context voor beeldende kunst, die zich onderscheidt van andere regio's in Indonesië op zoveel manieren. De Balinses context is "een oase te zijn". In deze tentoonstelling, is het idee van oase is aangenomen als een centraal thema, en werd Oasis To Be.

3. Affandi delen

Deze tentoonstelling omvat ook het werk van Affandi. Affandi's aanwezigheid in deze tentoonstelling maakt deel uit van een poging om het effect van het lezen van de Oasis To Be communiceren. Affandi is een belangrijke mijlpaal in de geschiedenis van de Indonesische hedendaagse beeldende kunst - de zwaarste van de kunstenaars in op het gebied van zijn geworden, te midden van de Tweede Wereldoorlog en de oorlog van onafhankelijkheid.

In het kader van de reis van de kunst, Affandi is een belangrijke figuur te 'lezen'. In de eerste plaats Affandi gebruikt zijn eigen lichaam als object, en werd centraal in de diverse verrassingen en visuele strategieën die hij aangenomen bij het schilderen. Affandi bijna nooit geschilderd in de studio: het lichaam, de natuur, het gedrag van mensen op het moment van de schilderkunst, object en doek, allemaal tegelijkertijd samen voorkomen in tijd en ruimte en eindigen op dat moment en in die ruimte. Schilderen was voor hem een ​​creatieve moment met ononderbroken duur, en was onvervangbaar. Zijn handen aangeraakt en onmiddellijk voelde toen het voelen van de oppervlaktestructuur van het doek als hij schilderde.

Dit resulteerde in het expressionisme beschreven door Eric Newton: "Affandi niet de werkelijkheid te schilderen, maar hij schilderde het gevoel dat hij kreeg van de werkelijkheid die hij ervoer." (Bambang Bujono, 2007). Expressionisme leidde Affandi tot een appreciatie van grote internationale beeldende kunst in India, Europa, Japan en de Verenigde Staten. Want hij wordt geacht te hebben bracht een nieuwe expressionisme tot de canon van de westerse expressionisme dat gemeengoed was in de tijd (Herbert Read, 1959).

Ten tweede, zoals zijn kunst ontwikkeld, Affandi ingevoerd een andere fase, die bleef tot het einde van zijn leven. Criticus Soewarjono formuleert dit stadium: "Affandi sprong van klassiek expressionistische beeldtaal, de visuele taal van de abstract-expressionistische '(1970). Deze periode voortgezet als Affandi getuige met verbazing de technologische ontwikkelingen op de Osaka'70 Expo in Japan. De anatomie van de lijn eerder gezien in het werk van Affandi's - kronkelende lijnen, marionet-achtige, tropische, als gevolg van een kust-cultuur die ten grondslag liggen aan het verleden, werd plotseling omgezet in kubistische vormen en rechtheid van de wereld van de technologie. Soewarjono beschrijft in detail de abstract-expressionistische Affandi, waar de expressieve lijnen bewegen Affandi niet meer gevolgd of vertegenwoordigd zijn objecten, in plaats van zij begonnen van het object, maar verhuisde naar een ander fenomeen.

Deze periode niet voort te zetten voor lang, want Affandi voelde zich meer een naturalist zijn. Abstractie voor hem was nog steeds een vreemde wereld. Affandi geschilderd in de open lucht, en dit is een belangrijke factor die dienden om hem te voorkomen dat deze te abstract, want het was het object dat nog steeds de ultieme reden voor hem om te schilderen. Bovendien was hun zijn humanisme die ook het emotionele binding, en zijn selectie van voorwerpen. Echter, het werkt voor zijn dood meer laten zien een tendens naar abstract schilderij, waarin de emotie niet meer voort uit minimaal, provocerend lijnen. Er is de indruk dat Affandi had de inhoud van de mensheid ingevoerd.

Ten derde, Bali en Affandi zijn bijna onlosmakelijk met elkaar verbonden in het kader van de kunst Affandi's. Bali lijkt goed te hebben gediend Affandi de verbinding tussen het lichaam en de kunst. De tentoonstelling bevat een video van Affandi (Affandi Na Epoch), en een discussie voor het delen van ideeën over Affandi.

Vijf kunstenaars voor de Zes

Het is deze derde probleem dat zal een belangrijk element van Oasis To Be, een tentoonstelling waarin staat dat elk proces van het worden is een oase voor het leven, verschillen en metingen op basis van ons wezen samen te zijn. Kunstenaars zijn de unieke mogelijkheid om een ​​lezing omgeving (de basis voor creativiteit en het kritisch bewustzijn), die te maken - als u dat wilt - de 'keuken' van de oase, en het uitgangspunt voor de tentoongestelde werken. Overigens moet worden gezegd dat deze curator tour niet bedoeld is om elk werk te beschrijven om tentoongesteld te worden. Het is een beschrijving van de tentoonstelling event.

De aanwezigheid van beeldend kunstenaars Nyoman Erawan, Mella Jaarsma, S. Teddy D, Titarubi en Jompet Kuswidananto in deze tentoonstelling, en dan Affandi, wordt als representatief beschouwd voor het reflecteren van het thema van de tentoonstelling. Deze vijf kunstenaars zijn, in aanvulling op Affandi, kunstenaars die elk een verschillende visuele strategieën, en die experimenteren met media in hun werken.

Nyoman Erawan, bijvoorbeeld, is een beeldend kunstenaar die vaak heen en weer reist tussen beeldende kunst en Balinese traditie als basis voor de vorming van energie en zijn eigen verhaal. Nyoman Erawan wijst op de manier waarop kunst tot uiting komt in de prestaties en vice versa, en hoe de prestaties wordt gerealiseerd in de beeldende kunst. Beide media-merge, een met de ander, te produceren - voor hem - een soort van hedendaagse beeldende kunst ethos dat niet langer scheidt de eigentijdse en de traditionele in heterogene antropologische dozen. Identiteit politiek zijn niet langer beperkt door een etnische of nationale vooroordelen.

Als een hedendaagse kunstenaar, Nyoman Erawan nog steeds voelt zich verplicht om ritueel uit te voeren in Bali. Deze mobiliteit, tussen traditionele en hedendaagse waarden, tussen ritueel en het dagelijks leven, misschien wel gedacht worden om de wrijving te produceren in de verbeelding, op een manier die niet wordt ervaren door kunstenaars die leven met hedendaagse waarden alleen. De expressieve vorm in de schilderijen toont de kwaliteit van deze wrijving. De ruimte ritueel, zo lijkt het, kan gelijktijdig plaatsvinden met de ruimte van de verklaring.

Voor de meeste van dit decennium, heeft Mella Jaarsma geworsteld met de grenzen tussen de kleding-building-schilderen, aankomen op kritieke architecturale kwesties van geslacht overheersing en hoe de geschiedenis van de mensheid te positioneren door middel van kleding die zijn uitgegroeid tot iconen van de traditie. Op nationaal niveau, kleding is hoe mensen bepalen de traditionele waarden waarin zij geloven. Op individueel niveau, kleding is hoe iemand zichzelf presenteert, hetzij in het openbaar of in gespecialiseerde vormen van werk. Uniformen, zoals gedragen door het leger, fabrieksarbeiders, ambtenaren en anderen, voortdurend verleiden ons om het contrast uniformiteit en diversiteit.

In veel opzichten, Mella demonteert modellen van hoe mensen worden bepaald door de kleren die ze dragen op het werk. Mella maakt over het algemeen schetsen of tekeningen die dienen als de beginwaarden van het werk te worden gemaakt. Daarna volgt er een media zoeken om de ideeën in het oorspronkelijk lezen te ondersteunen. Over het algemeen produceert ze installaties, nieuwe vormen van het object, of verschillende soorten van de beeldhouwkunst. We zien de opkomst van een nieuw fenomeen - de manier waarop architectuur wordt gemanifesteerd door middel van kleding. Kleding die zich in gebouwen, verkleed als een huis, gevangenis kleding, of kleding dat potentiële geslacht onderdrukking en sociale klasse discriminatie bevat.

En de media verkenningstocht eindigt hier niet. Mella heeft ook geprobeerd 2-dimensionale schilderen. Al het werk met behulp van diverse media is wederzijds informatief, dank zij de autonomie van de visuele taal dat door elke luchtvaartmaatschappij. Discourse groeit dan zoals kleding en het lichaam filosofie die loopt door alle kunst.

S. Teddy D brengt nog een ander fenomeen. Zijn werken tonen de gevoeligheid van het lichaam van het bewustzijn in narcose - tussen de sociale verbeelding en de verbeelding die geen naam heeft. De mens wordt beschreven als het menselijk lichaam die zullen worden gemorst, en brutaal spetterde in ons geheugen - iets wat nog steeds in een toestand van kwetsbaarheid ter illustratie van de ethos van de man die zich voorstelt. Met andere woorden: de geschiedenis van de mensheid is om anarchistisch te lezen in de zoektocht naar de waarden die hem tot een levend wezen, en niet alleen een object van de geschiedenis of de samenleving.

Wanneer we kijken naar de werken van S. Teddy, ofwel de installaties of de andere 3-dimensionale werken, vinden we nog andere lezingen: het materiaal heeft de neiging om hard, met scherpe en massale vormen en thema's van militarisme en geweld. De 3-dimensionale werken een nauwkeurige beschrijving geven van de afmetingen van een instelling of menselijke context, en tonen zijn prediliction voor het waarnemen van de mensheid als de geschiedenis dat anarcgistically dient te worden gelezen in zijn schilderijen. Hij laat zien hoe mensen steeds meer geïsoleerd door hun eigen geschiedenis, en hoe deze geschiedenis valt menselijke waarden. De mensheid komt terug terug door middel van kunst.

Titarubi, die nu steeds vaker voorzien van grote zinnen in haar installaties - laten we zeggen, een tentoonstelling thema statement - opent een soort interne ruimte in haar werk. Interne ruimte aanwezig is als een binnen-of prive-sfeer, waar Tita komt tot een beeldtaal die is meer persoonlijk. Beeldtaal is alsof voor haar alleen. De strijd tussen de houtskool en het doek, tussen de zwart-wit en de schaduw, tussen de samenstelling en het formaat van de gekozen doek. Haar schilderijen produceren een soort combinatie van grafisch werk, tekenen en schilderen aan de gang tegelijk.

In een boslandschap, bijvoorbeeld, is er een spel tussen het bos als bos, en de schaduwen van het bos als het bos zelf. Shadow logenstraft schaduw op een soort geluid wereld van een bos, onafscheidelijk van de verschillende geluiden van insecten te creëren. Wrijving tussen de grote lijnen creëert het effect van een zwart blok, maar verwijder het zwarte blok zelf. Het is een auditief dat voortvloeit uit gesuperponeerde patronen van wrijvingskrachten lijnen.

Tot slot, wat niet wordt gedaan door andere mensen, wordt gedaan door Jompet Kuswidananto. Deze kunstenaar werkt als een garagist - dag en nacht. De workshop metafoor strekt zich uit tot de verscheidenheid van de verkenning uitgevoerd door Jompet. Hij is als muziek maken in de installatie, het creëren van een video-theater van betekenis, waardoor het lichaam elektrische in de werken van drie dimensies. De aanwezigheid van Jompet in de wereld van de hedendaagse beeldende kunst, is elektriserende - letterlijk! Zijn vergroting van de visuele verschijnselen wordt elektronisch gerealiseerd, met als onderwerp de omringende sociale omgeving.

Jompet's werk lijkt op het transformeren van de workshop metafoor in een discrete taal als statement in de kunst. Alle mogelijkheden zijn elektrisch uitgevoerd door Jompet, die ernaar streeft om te laten zien hoe de kunstenaar zijn eigen wereld te ontwerpen met behulp van het lichaam als een tekst terug in de elektrische leidingen.

Oasis Bij de tentoonstelling Be is op zijn beurt een soort van intieme viering van hoe de creatieve ethos wordt geteeld door kunstenaars, en produceert een discours dat ons in staat stelt om onszelf te lezen als iets dat de wil om voortdurend worden bijgewerkt verraadt. Belangrijker, het distantieert ons van het soort geschiedenis dat doet pijn als de kinderen onder te dompelen zich in de beelden van de taal die gevormd zijn.